A ilustração é uma das formas mais importantes de comunicação visual: informa e observa, encanta e decora, instrui e inspira. Desde os primeiros desenhos feitos pelo homem em uma caverna, a ilustração desempenhou um papel fundamental tanto na narração de histórias quanto no compartilhamento de informações – e é tão relevante como sempre para nos ajudar a entender nosso mundo moderno. Os artistas de hoje criam uma variedade surpreendente de ilustrações em um espectro de estilos e gêneros, informados por uma história rica e inovações extraordinárias nas últimas décadas. Neste artigo, exploraremos alguns dos movimentos artísticos e sociais que influenciaram a ilustração nos últimos 30 anos.
É impossível falar sobre ilustração contemporânea sem citar a influência dos Push Pin Studios, fundada em 1954 pelos colegas de classe da Cooper Union Seymour Chwast, Milton Glaser e Edward Sorel. Os artistas do Push Pin lideraram uma revolução. “Push Pin jogou tudo pela janela em termos de estilo de referência”, diz Whitney Sherman, diretor do MFA em prática de ilustração no MICA. Trabalhando conceitualmente, os artistas do Push Pin saquearam livremente a arte e a história gráfica – das belas artes aos quadrinhos – e reinventaram e recombinaram essas diversas formas, criando um trabalho inovador, agradável e inesperado.
No final dos anos 80, os ilustradores estavam livres para combinar, experimentar e celebrar diferentes estilos e métodos históricos. Eles eram tão inspirados por movimentos artísticos históricos quanto pela cultura punk da década de 1970 e pela cena de arte de rua da época em Nova York. O design gráfico também ajudou a definir o visual da década, com publicações como The Face , com direção de arte de Neville Brody, liderando o caminho com seu uso radical de tipografia e layout, que inspirou muitos ilustradores e designers.
Avançando para 2017, a ideia de um movimento artístico é risível. Tudo, desde pinturas rupestres da Idade da Pedra até a mais recente arte pós-moderna, foi lançado no ciclo de rotação da cultura popular e do consumismo. A primeira imagem foi carregada na Internet em 1992. Hoje, mais de 80 milhões de imagens são carregadas no Instagram diariamente. “Não há mais ‘sabor do mês’”, diz o designer e ilustrador Von Glitschka, referindo-se a um termo que ele e outro ilustrador cunharam para um trabalho que seria popular entre os diretores de criação por um tempo e depois desapareceria. “Isso não acontece agora. A mídia social mudou isso; a maneira como uma audiência interage com um ‘visual’ ocorre tão rapidamente. ”
Mas ainda, parafraseando uma linha de The Big Lebowski , “The illustrator abides.”. E somos melhores para isso. A maioria dos movimentos artísticos influentes que veremos aqui se desenvolveu como reações ao status quo. Então, vamos descobrir o que aqueles rebeldes estavam fazendo.
ART NOUVEAU
Um movimento internacional de design que começou na Inglaterra na década de 1890 e prosperou nas duas décadas seguintes, o Art Nouveau se rebelou contra os estilos históricos que dominaram o design na maior parte do século XIX. O Art Nouveau, como o próprio nome indica, focou na inovação e liderou uma revolução no design moderno.
Influenciado pelo movimento britânico de Artes e Ofícios, design japonês e gravuras em xilogravura, padrões celtas e manuscritos iluminados, e as pinturas de Van Gogh e Cézanne, e emprestando ao estilo rococó, o movimento se espalhou rapidamente por toda a Europa.
Estilos distintos surgiram em cada país, mas uma linguagem gráfica comum conectou todos eles: formas orgânicas de fluxo livre, formas botânicas, linhas fluidas, tipografia e letras exclusivas e atenção ao bom acabamento.
(
Chez Panisse , 2005,
David Lance Goines )
O Art Nouveau viu um grande renascimento popular no final da década de 1960, quando foi reinterpretado em vários pôsteres de concertos de rock e capas de álbuns; esse olhar psicodélico distinto, por sua vez, influenciou gerações futuras de artistas.
O visual clássico “psicodélico” associado às capas de álbuns e pôsteres de shows do final dos anos 1960 e início dos anos 1970 pode ser considerado um desdobramento do estilo Art Nouveau – é um visual “retro” ao qual os artistas modernos costumam se referir.
SURREALISMO
A Interpretação dos Sonhos, publicada em 1899 por Sigmund Freud, explorou a relação entre sonhos e realidade e lançou as bases para o movimento literário, intelectual e artístico chamado Surrealismo. O escritor, poeta e anti-fascista francês André Breton, geralmente considerado o fundador do Surrealismo, publicou o Manifesto Surrealista em 1924; ele definiu o surrealismo como “puro automatismo psíquico”.
Enquanto o impacto dos poetas e escritores surrealistas era limitado; os artistas e pintores associados ao surrealismo tiveram um impacto significativo nas artes visuais e no cinema. Em sua arte, os surrealistas gostavam de colocar objetos que normalmente não se relacionavam entre si, de maneiras divertidas e perturbadoras. A natureza e as pessoas podem ser cuidadosamente apresentadas em um estilo realista, mas colocadas em uma paisagem onírica.
O impacto do surrealismo na ilustração, design e comunicação visual tem sido distinto e abrangente. O movimento foi pioneiro em novas técnicas de ilustração e mostrou como o mundo dos sonhos, símbolos e fantasia poderia ser explorado visualmente de maneira a provocar uma resposta universal em muitos espectadores.
Sediada em Nova York, a Holanda foi uma das pioneiras na maneira conceitual de trabalhar, um método no qual uma idéia leva à solução de uma tarefa, em vez de um artista saber o que produzir.
Seu trabalho visualmente simples, muitas vezes surreal, é instantaneamente reconhecível;
mudou o curso da ilustração moderna e influenciou ilustradores em todo o mundo.
(Profeta ,
Brad Holland )
Time, Newsweek e
Esquire .
As imagens de Craig são atraentes e misteriosas, fazendo conexões e contando histórias que ressoam muito depois que você as vê.
(Coringa , 2007,
John Craig )
MODERNISMO
A arte modernista e o movimento modernista tiveram um impacto significativo e abrangente na ilustração e no design. Começando por volta de 1908 e durando até a década de 1930, o Modernismo incluiu uma série de movimentos distintos, incluindo Construtivismo, Surrealismo e Bauhaus. Esses movimentos compartilharam uma rejeição de estilos históricos, uma abordagem de design minimalista e um uso original e experimental de formas, cores, linhas e layout.
“O construtivismo, a Bauhaus e outras abordagens formais, rígidas e minimalistas de design e criação de imagens duraram de várias formas e podem ser vistas nas ilustrações de hoje”, diz Richard Lovell, presidente de ilustração do SCAD. “É uma estética orientada para a forma que funciona bem com mídia digital, e até mídia de movimento e animação.”
CONSTRUTIVISMO
Com raízes na vanguarda russa, o movimento construtivista se originou pouco antes da revolução bolchevique de 1917. Influenciados pelo estilo abstrato, forma pura e energia do cubismo, futurismo e suprematismo, os artistas construtivistas tiveram como objetivo criar uma nova linguagem visual para libertar arte, design e arquitetura das formas convencionais de representação. Artistas construtivistas criaram cartazes políticos e publicidade comercial, sempre vinculando o estilo ao ativismo político.
Geometria forte, cores planas, formas simples, amplo espaço em branco e tipografia sans serif em negrito são marcas registradas do design construtivista. A fotomontagem forneceu uma nova técnica de ilustração para a nova era.
Seu trabalho é frequentemente informado pelo vocabulário visual do construtivismo (por exemplo, formas geométricas e temas de cores vermelha e preta), e abraça o objetivo dos construtivistas de criar arte para a mudança social.
(Igreja do Consumo, 2017, Shepard Fairey )
Sua
arte de cartaz de
Pipko Tabac acena ao Construtivismo através do uso de elementos geométricos simples e do tipo sem serifa.
Mas ele combina isso com sua abordagem distinta e sofisticada de cor e textura para fazer sua própria declaração.
(Pipko Tabac , 2010, Bob Staake [Instagram ])
O construtivismo continua a influenciar o design gráfico e a ilustração modernos, à medida que os artistas combinam o vocabulário visual do construtivismo com suas próprias vozes e idéias.
BAUHAUS
Em 1919, o arquiteto Walter Gropius foi nomeado diretor da Staatliches Bauhaus em Weimar, Alemanha, combinando duas escolas de arte em uma única instituição e artes plásticas e aplicadas em um currículo. Uma abordagem modernista para a educação em design foi desenvolvida; os alunos foram incentivados a experimentar e encontrar sua própria voz.
O corpo docente da Bauhaus incluía os pintores Paul Klee e Wassily Kandinsky, o construtivista László Moholy-Nagy, o primeiro aluno e professor Herbert Bayer e o arquiteto Ludwig Mies van der Rohe. A escola explorou idéias avançadas sobre arquitetura, cor e forma e experimentou impressão, fotografia e tipografia.
Suas contribuições para o design moderno transcendem sua vida útil de 14 anos. Atualmente, a abordagem da Bauhaus para o ensino do design é a base das escolas de design, e o princípio orientador do design de produtos da Bauhaus, de “necessidades, não luxos” – para produzir itens de qualidade a preços acessíveis – é visto hoje em lojas como Ikea e Muji.
Seu trabalho conceitual e editorial pode ser visto em vários jornais e publicações, do
New York Times a
Mother Jones. Suas ilustrações digitais refletem a geometria isométrica do design e arquitetura industrial da Bauhaus.
(Máquina de venda automática , 2017,
Harry Campbell )
REALISMO MÁGICO
Criado ao lado do surrealismo e do expressionismo foi o realismo mágico. Nomeado pela primeira vez em 1924 pelo crítico de arte alemão Franz Roh, descreveu uma nova forma de pintura realista que descrevia a vida cotidiana como algo familiar, mas ao mesmo tempo como algo estranho ou não natural.
Embora seu trabalho seja frequentemente mais surreal, com animais e personagens encantadores – e às vezes assustadores -, essa peça,
Amazon, foi criada para a capa da
seção “Viagens”
do
New York Times .
(Amazon , 2013, Chris Buzelli [Instagram ])
ART DECO
O termo Art Deco refere-se à famosa Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernos (Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas), uma grande feira realizada no centro de Paris durante o verão de 1925. Também chamado Style Moderne, o movimento incluía arte, arquitetura e artes visuais e decorativas: essencialmente tudo o que está incluído sob o guarda-chuva do design como o conhecemos hoje.
Nas artes visuais, o estilo gráfico distinto do Art Deco era representado por formas simples e limpas e, muitas vezes, em seu período posterior, curvas aerodinâmicas. Ilustradores e designers contemporâneos exploraram e reinventaram as formas e a tipografia da época para criar designs impressionantes e vitais.
Fazendo referência à geometria do Art Deco, Berg evolui essas formas para abstrações fluidas e em camadas, com cores e texturas luminosas.
(Cartaz de Bornholm 2015 , 2015, Mads Berg )
Em sua obra de
Vincent Black Lightning, de 1952
, Pelavin interpreta a linguagem simplificada do Art Deco para evocar velocidade e precisão, perfeitas para capturar a essência da moto mais rápida de sua época.
(Vincent Black Lightning de 1952 , 2017,
Daniel Pelavin [Instagram ])
Ele criou designs premiados para identidades corporativas, designs de embalagens e logotipos para uma grande variedade de empresas e organizações internacionais.
Em sua identidade para o grupo de restaurantes italianos El Fornaio, ele faz referência às formas geométricas do Art Deco e aos pôsteres de publicidade desse período, mas combina esses elementos com cores e texturas únicas, além de uma delicada tipografia de roteiro, para criar um design original.
(Identidade Corporativa Il Fornaio, 1988, Michael Mabry )
O GRUPO MEMPHIS
O Memphis Group era um coletivo de jovens designers de móveis e produtos liderados pelo aclamado designer industrial italiano Ettore Sottsass. Lançado em 1981, Memphis governou o cenário do design dos anos 80 com seus móveis e tecidos pós-modernos. Vibrante e experimental, Memphis adorava padrões, cores e geometria arrojada. Em 1988, Sottsass desmantelou o grupo, mas embora Memphis o grupo não exista mais, sua energia e irreverência tiveram um impacto duradouro na ilustração e no design, mostrando que não há problema em ignorar as restrições e as regras estabelecidas do design e explorar a interseção do divertido e funcional.
“Estou muito inspirado pelo movimento de Memphis”, diz Rolwing.
“A idéia para o meu projeto auto-iniciado
Se eu morasse no bairro de Ettore Sottsass, na verdade, veio de um sonho que tive depois de passar o dia antes de estudar o movimento de Memphis.”
( Capa da revista Shop , 2016, Lauren Rolwing [Instagram ])
LOWBROW E SURREALISMO POP
Inicialmente, um movimento artístico underground nas artes de Los Angles, Lowbrow e Surrealismo Pop se desenvolveu no final da década de 1970, fora da cena tradicional de galerias e museus.
Ele é conhecido por suas criaturas divertidas, inteligentes e muitas vezes desonestas, que aparecem ao longo de seu trabalho.
( Capa da
New Yorker
para o Dia das Mães, 2002,
Gary Baseman [Instagram ])
Lowbrow se inspira em uma variedade selvagem e ampla de fontes: arte da tatuagem, mix underground, rock e punk, skate, arte figurativa, surrealismo e cultura pop. Os artistas lowbrow criam pinturas, desenhos, objetos e arte da mídia cheios de detalhes vigorosos, combinando estilos, personagens e narrativas em arte dinâmica e vibrante. O estilo lowbrow evoluiu de cru e sem polimento para mais pintado e refinado, mas mantém uma vantagem única, muitas vezes subversiva, de seu artesanato.
A inovadora Galeria La Luz de Jesus, inaugurada em 1986 na Avenida Melrose, em Los Angles, é considerada uma das primeiras galerias a apresentar artistas de surrealismo pop e lowbrow. “Isso realmente mudou as coisas”, diz Mark Heflin, editor e diretor da American Illustration. “Isso obscureceu as linhas entre ilustração e arte”.
O apagamento das linhas entre arte comercial e arte é uma das contribuições mais significativas desse movimento.
Eles se revezaram adicionando, alterando e retrabalhando a arte até que ambos concordassem que estava completa.
Os resultados são conversas orgânicas, vívidas e visuais, convidando o espectador a criar sua própria narrativa.
Ambos são membros do corpo docente do ArtCenter College of Design.
(Sensing Needs , 2007, The Clayton Brothers [Instagram ])
ILUSTRAÇÃO POLÍTICA
Uma ilustração política é uma imagem que faz sentido. Entrega uma mensagem. Pode levar um soco em um político, revelar incompetência ou descobrir engano. A ilustração política usa caricatura, humor, sátira e metáfora para produzir um verdadeiro jornalismo visual que resume sucintamente situações políticas complexas e desafia crenças comuns.
Acessando uma história rica que remonta a séculos, os artistas contemporâneos criam trabalhos de ilustração política em uma ampla variedade de técnicas artísticas, de simples caneta e tinta a estilos de pintura refinados.
Seu trabalho pode ser visto em revistas, sites, livros, TV e jornais – ilustrando o jornalismo por ele e por outros.
Ele ganhou muitos prêmios e continua a empurrar fronteiras políticas, artísticas e técnicas em seu trabalho.
Brodner também ensina ilustração na Escola de Artes Visuais de Nova York.
(Tribunal de Donald I , 2017, Steve Brodner )
DIGITAL
No início dos anos 90, a revolução digital nas indústrias criativas estava começando a se tornar real. Antes dessa época, “a discussão sobre design digital era como se os computadores estivessem alienígenas entrando no estúdio, tentando assumir o controle”, diz Whitney Sherman. Enquanto o custo do hardware estava caindo, o preço da entrada ainda era alto, e a curva de aprendizado do software era dolorosamente íngreme. Os designers gráficos abraçaram com mais entusiasmo a nova tecnologia do que os ilustradores, mas foi um salto assustador no vazio para todos.
Seu trabalho recebeu vários prêmios e é reconhecido internacionalmente por seu estilo único e conceitual.
Começando com esboços em miniatura, Frazier corta formulários em Amberlith e move essas formas para o computador para colori-las.
Neste exemplo, ele adiciona animação para estender a narrativa em sua arte.
(Bookfloat, Festival de autores de Sonoma Valley,
Craig Frazier [Instagram ])
Uma nova geração de ilustradores começou a surgir em meados dos anos 90. Alguns eram recém-saídos das escolas de arte e design, com novas maneiras de encarar os papéis tradicionais de designer e ilustrador. Eles se reinventaram como artistas gráficos, trabalhando em design e ilustração. Outros foram artistas estabelecidos, ansiosos por experimentar as novas ferramentas e capitalizar as novas tecnologias. Esses artistas criaram trabalhos no computador e se orgulharam disso, e uma nova estética digital surgiu.
No final da década, o mundo havia mudado de uma maneira que ninguém poderia imaginar. O computador e o software tornaram-se rápidos e sofisticados, com novas ferramentas que permitiam a aparência de “mídia natural”: canetas, lápis e pincéis da ilustração tradicional. Novos filtros e técnicas forneceram novas maneiras interessantes de manipular imagens. Os ilustradores podem optar por trabalhar tradicional ou digitalmente, ou misturar os dois, conforme necessário. Whitney Sherman caracteriza isso como uma “abordagem transmídia / híbrida que combina a estética tradicional e digital e as formas de trabalho”.
Movendo-se para o mundo de hoje, com nossos smartphones poderosos, tablets com telas de alta resolução e Internet rápida difundida, os ilustradores podem aproveitar a animação e a realidade virtual para estender a narrativa e contar histórias sequenciais e interativas.
Combinando formas passadas com tecnologias modernas, os ilustradores estão criando novas formas e estilos de comunicação visual – tudo isso assente em uma base com milhares de anos de duração.
